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Jun 13, 2023

Die Grammys

Foto: Trevor Naud list Die umfangreiche Diskographie von Guided by Voices zu analysieren, kann entmutigend sein. Anlässlich der Veröffentlichung ihres neuen Albums „Welshpool Frillies“ sind hier 10 Tracks, die man nicht verpassen sollte, die ihr Können zum Ausdruck bringen

Foto: Trevor Naud

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Die umfangreiche Diskographie von Parsing Guided by Voices kann entmutigend sein. Anlässlich der Veröffentlichung ihres neuen Albums „Welshpool Frillies“ sind hier 10 Titel, die man sich nicht entgehen lassen sollte, die ihre Essenz in glorreichen Indie-Rock verwandeln.

In gewisser Weise ist es überflüssig, eine Liste der wichtigsten Titel von Guided by Voices zu erstellen: Der Mastermind der Band, Robert Pollard, hat bereits eine für Sie erstellt.

Es erschien in Form von „The Best of Guided By Voices: Human Amusements at Hourly Rates“ aus dem Jahr 2003 – einem Programm im Mixtape-Stil, bei dem Pollard nahtlos zwischen den Epochen der Band wechselt.

Lo-Fi, Hi-Fi, Mid-Fi: Es ist alles Pollard, und alles fließt zusammen. „14 Cheerleader Coldfront“, sein knisterndes, akustisches Duett aus dem Jahr 1992 mit seinem alten Kollegen Tobin Sprout, geht nahtlos in das packende, aerodynamische „Twilight Campfighter“ über – aus den raffiniert produzierten Isolation Drills.

Es gibt nur ein unvermeidbares Problem: Es hört bei 2003 auf, weil es damals herauskam. Die eigenwillige, berührende, verrückte und überaus produktive Rockband aus Ohio würde noch ein weiteres Album veröffentlichen, „Half Smiles of the Decomposed“ aus dem Jahr 2004, bevor sie vorübergehend den Stecker zieht.

Seitdem gab es zwei weitere, unterschiedliche Epochen. Zu Beginn der 2010er Jahre brachte Pollard einige Mitglieder der klassischen Ära zurück; Auf sechs Alben produzierten sie eine Reihe solider Songs, wie „Class Clown Spots a UFO“ und „Flunky Minnows“.

Wohl konsequenter war ihre aktuelle Besetzung – eine Mischung aus alten und neuen Gesichtern, bestehend aus den Gitarristen Bobby Bare Jr. und Doug Gillard, dem Bassisten Mark Shue und dem Schlagzeuger Kevin March. Aus dieser Reihe von Alben sind Stücke hervorgegangen, die den Klassikern Paroli bieten, wie „My Future in Barcelona“ und „Mr. Child“.

Guided by Voices machen mit ihrem 38. Album „Whirlpool Frillies“, das am 21. Juli veröffentlicht wurde, weiter Fortschritte. Das neue Album ist eine Rückkehr zur Live-To-Tape-Aufnahme, nachdem mindestens ein halbes Dutzend aus der Ferne aufgenommen wurden, und enthält zahlreiche Schläger, die die Zeit von Eingefleischten und Neulingen wert sind , wie „Meet the Star“, „Awake Man“, „Seedling“ und „Radioactive Pigeons“.

Man kann mit Sicherheit sagen, dass es noch viel mehr geben wird. Bevor (oder nachdem) Sie Whirlpool Frillies verdauen, werfen Sie einen kurzen Blick auf die zehn kraftvollsten Songs von Guided by Voices – Solo- und Nebenprojekte ungeachtet.

Wenn Sie neu bei Guided by Voices sind, ist dies vielleicht eine hilfreiche Zusammenfassung: Stellen Sie sich das Rock-Pantheon von den Beatles bis zum Post-Punk vor, vereint in einem Amalgam. Entfernen Sie dann die Heiligsprechung, den Glanz und die Mystik. Platzieren Sie die Musik auf Augenhöhe.

So ungefähr klingt Propeller, das Album, mit dem ihr Aufstieg in den 90er-Jahren begann. Das triumphale „Over the Neptune / Mesh Gear Fox“ klingt wie der Who, der ein paar Tommy-Songs in Ihrem Gartenschuppen aufgenommen hat.

Die ruppigen zweiteiligen Crescendos mit einem Underdog-Ruf zu den Waffen skizzierten emotionales Terrain, das die Band bald mit erstaunlicher Wirkung ausloten würde: „Ich bin viel größer, als du denkst!“

Die meisten, die sich auch nur flüchtig für Guided by Voices interessieren, werden Sie auf drei Alben aus der Mitte der 90er Jahre als Anlaufstelle hinweisen: Bee Thousand, Alien Lanes und Under the Bushes Under the Stars.

Im Laufe der Jahre herrschte immer mehr Einigkeit darüber, dass Bee Thousand derjenige ist, und daran ist eine gewisse Wahrheit dran. Obwohl es weniger konsistent ist als die anderen beiden, gibt es eine Handvoll Songs, die so tiefgreifend sind, wie es ein Guided by Voices-Song nur kann.

Eines davon ist „Peep Hole“, ein kurzer, herzzerreißender Schlag auf einer Akustikgitarre über die Liebe zu jemandem, dem eine Schraube locker ist; ein anderes ist „Tractor Rape Chain“. Lassen Sie sich von dem bizarren, quasi anstößigen Titel nicht aus der Fassung bringen: Denken Sie an die Spuren, die die Titelmaschinerie auf einem Feld hinterlässt.

Aber in „Tractor Rape Chain“ geht es nicht nur um einen Weg durch das Leben, sondern um zwei parallele Wege – und wie sie schließlich voneinander abweichen und sich voneinander entfernen. Das macht „Tractor Rape Chain“ universell: Jeder, der einen Puls hat, kann auf diesen steinernen Klassiker ein Glas erheben und jedes Wort glauben.

Während Bee Thousand für viele Fans wie die CD der einsamen Insel zu sein scheint, ist „Game of Pricks“ wohl der Signature-Song von GBV. (Pollard scheint das auch zu glauben: Im Laufe von mindestens einem Konzert haben sie es zweimal gespielt.)

Die beliebteste Version von „Game of Pricks“ ist tendenziell die ihrer Tigerbomb-EP, die zwei in einem professionellen Studio neu aufgenommene Oldies enthält. Bei gebührendem Respekt sollten Sie sich die rauere, prägnantere Alien Lanes-Version ansehen.

Wie auch immer, Pollards Texte sind fantastisch – voller Misstrauen, Selbstgeißelung und Katharsis. („Ich klettere auf dein Haus/ Weine, um die Bäume zu gießen“ ist eines der bewegendsten Bilder von Pollard.) Aber es ist ihre Verbindung zur Melodie, die dir wirklich den Kopf verdrehen wird.

Durch das Zischen des Tonbandgeräts ist „Game of Pricks“ wie jedes Lied von „Meet the Beatles“ in einem zusammengerollt und aus einer Kanone in Ihren Solarplexus geschossen. Pollard hat viele weiter entwickelte Songs geschrieben, aber noch nie einen mit dieser destillierten Wirkung

Wie „Game of Pricks“ ist auch eine verfeinerte Version von „Motor Away“ im Umlauf: Auch hier sollten Sie sich für die Alien Lanes-Version entscheiden.

Mit diesem geschlechtsspezifischen Grundnahrungsmittel, das immer weiter voranschreitet, spricht man am besten, wenn man jung ist und am Abgrund eines Neuanfangs steht – aber seine philosophische Mehrdeutigkeit bleibt in jedem Alter wirksam.

In „Motor Away“ rasen Sie nicht auf die „Chance Ihres Lebens“ zu; „Du kannst dich von der Chance deines Lebens befreien.“ Darüber hinaus: „Man kann sich selbst vorlügen, dass es die Chance seines Lebens ist.“

Indem er das zurückgelassene Leben und das Leben, das auf derselben moralischen Ebene geführt wird, betrachtet, verleiht Pollard „Motor Away“ ein völlig erfrischendes und bewegendes Gefühl. Jedes Mal, wenn Sie sich in einer Situation befinden, die unlösbar erscheint, denken Sie an die entscheidende Frage: „Warum fahren Sie nicht einfach weg?“

Wir sind alle Ironmen. Ähnlich wie „A Salty Salute“, der Opener von Alien Lanes, fühlt sich „The Official Ironmen Rally Song“ wie eine atemberaubende Hymne für GBV-Gläubige an. (In diesem Zusammenhang verdient auch „Don't Stop Now“, eine Zusammenfassung ihrer Botschaft von Hartnäckigkeit und Mut, eine Erwähnung; es wurde nur aus Platzgründen in dieser Liste weggelassen.)

Wie so viele andere Songs auf dieser Liste muss auch „The Official Ironmen Rally Song“ live erlebt werden, um seine volle Wirkung zu erzielen – Pollards Oktavsprung im Refrain behält die Fähigkeit bei, Miller Lite aus Dosen auf Ihre gesamte Kleidung zu projizieren.

Aber selbst auf den Platten ist „The Official Ironmen Rally Song“ unzerstörbar – es ist wie ein zuverlässiges altes Auto, dessen Motor immer anspringt. Wann immer Sie sich unwohl fühlen, lassen Sie es sich immer wieder lebensbejahend daran erinnern: „Sie sind frei: Sie sind offiziell Meister.“

Nach „Do the Collapse“ aus dem Jahr 1999 – klumpig und doch glatt, produziert von Ric Ocasek, dessen Ruf immer noch in der Schwebe liegt – gelangte GBV mit „Isolation Drills“ aus dem Jahr 2001 auf natürlichere Weise in die High-Fidelity-Qualität.

Flink und aerodynamisch, „Isolation Drills“ war GBVs zweites Album mit dem wichtigen Gitarristen Doug Gillard, der heute – zahlreiche Besetzungsumbildungen später – wieder zur Band zurückgekehrt ist.

Wer ist der Twilight Campfighter? Wer weiß, aber es scheint eine imposante, gottähnliche, heilende Figur zu sein: „Du baust deine Feuer in eine offene Wunde/ Du willst, dass wir uns besser fühlen/ Auf diesen dunkleren Pfaden/ Mit Licht, das heilige Grale enthüllt.“

Aber das Urgeheimnis ist der Punkt – wie bei so vielen Pollard-Kompositionen. Während „Twilight Campfighter“ immer weiter anschwillt und das Licht immer mehr seine melancholische Decke durchdringt, ist die Wirkung faszinierend – besonders während des Schlussrefrains, als Gillard und sein Gitarristenkollege Nate Farley diese Akkorde absolut hinlegen.

An Pollard, den Gesangsmelodisten: Hätte er sich bei einem so einfachen Akkordwechsel einen clevereren, kreativeren Part einfallen lassen können?

Und hier ist Pollard, der Texter: „Paid up, Weathered and Type/ Clad in Gladstone Watch Him Go/ Swimming 'neath the Microscope/ Hello Lonely Bless The Nation“ ist eine umwerfende und eindrucksvolle Eröffnungszeile.

Durch seine Erzählung kam Pollard die Idee zu „The Best of Jill Hives“, während er seinen Schalldämpfer reparieren ließ.

„Jill Hives ist keine echte Person“, sagte er 2004 einem Interviewer. „Ich saß mit ein paar Leuten im Wartezimmer und schaute fern, also habe ich dieses Spiel gespielt, das ich manchmal spiele, wenn ich nicht ganz verstehen kann, was die Leute sagen: Ich fange an aufzuschreiben, was sie meiner Meinung nach zu sagen haben.

Die Seifenoper „Days of Our Lives“ kam auf die Leinwand. Und damit war ein Lied geboren.

Nach sechs soliden Alben mit der „sogenannten klassischen Besetzung“, die auf Bee Thousand, Alien Lanes und Co spielte, löste Pollard die Band erneut auf, um das Projekt zwei Jahre später mit einem notwendigen Neustart zurückzubringen: Please Be Honest.

Auf diesem Album hat Pollard nicht nur wie üblich jeden Song geschrieben; er spielte auch jedes Instrument. Nach dem die Arena rockenden Opener „My Zodiac Companion“ folgt „Kid on a Ladder“, vielleicht sein schillerndstes Ein- oder Zwei-Minuten-Wunder seit „Game of Pricks“.

Über einer kratzigen Gitarre und 4/4-Pump-and-Slam wirft Pollard lässig Bänder wunderschöner Melodien in die Luft: In 1 Minute und 47 Sekunden ist alles vorbei. Von da an ist er bei 13 weiteren seltsamen, betörenden Liedern dabei, aber Sie werden „Kid on a Ladder“ immer und immer wieder hören wollen.

So wie Paul McCartney in seinen Träumen die epochalen Lieder „Yesterday“ und „Let it Be“ erdachte, sind einige von Pollards größten Liedern aus absichtlichen Fehlinterpretationen und Dekontextualisierungen entstanden.

Und „The Best of Jill Hives“ war nicht das einzige: „My Future in Barcelona“ entstand aus „der Zukunft von Barcelona“, gegenüber der einen oder anderen im Fernsehen übertragenen Fußballmannschaft.

Ein Teil der Essenz von Guided by Voices besteht darin, dass Magie überall und an den alltäglichsten Orten ist. Und aus diesem zufälligen Kommentarausschnitt hat Pollard ein Meisterwerk geschrieben – eines, das das Wunder von „Jill Hives“ mit der Wucht und Erhabenheit von „Twilight Campfighter“ verbindet.

Aus Pollards Feder – und Lunge – erscheint eine Stadt, die für Sonnenbaden und Besichtigungen bekannt ist, wie ein fantastisches, beeindruckendes Reich. „Tested, investedwaters/ Move local as you know“, singt er im Vorchor. „Wenn die Vorstellung von schnell/unerträglich langsam/unerträglich langsam sein kann.“

Das ist es, worüber er in „Motor Away“ sang, und er kehrt hierauf zurück: Wenn Ihre Umgebung es nicht schafft, bahnen Sie sich einen furchtlosen Weg.

In fünf Minuten bringen Pollard und Co. mehr Ideen zu „Alex Bell“ durch, als manchen Bands in ihrer gesamten Karriere einfällt. Das Hin- und Herwechseln zwischen trommellosen Breaks und stürmischen Versen verstärkt das Drama und der Track steigert sich zu einem unvorhersehbaren Gonzo-Höhepunkt.

Dieses Lied von „Tremblers and Goggles“ von Rank – das zum Zeitpunkt der Drucklegung drei Alben zurückliegt, obwohl es letztes Jahr veröffentlicht wurde – wurde nach den Nachnamen der Big Star-Mitglieder benannt: Alex Chilton und Chris Bell.

Aber trotz der Charakterisierung von „Alex Bell“ durch die Nachrichtenagenturen als „Hommage an Big Star“ ist das nicht wirklich so. Es ist eine ergreifende Meditation über Zeit, Erinnerung und Verlust, die spirituell mit dem steinigen Lauf dieser Power-Pop-Helden und dem tragischen Tod beider Männer übereinstimmt.

„I see you around every time there's a ghost in town“, singt Pollard während des galoppierenden Outro. Dann kommt es krachend zum Stehen. Was sich als Fälschung herausstellt. Da ist noch einer. Schließlich rundet ein himmelwärts gerichteter Power-Akkord dieses spektakuläre Lied ab.

Mit „Guided by Voices“ steht immer etwas unerwartet Bewegendes und Aufrüttelndes bevor – und selbst nach einer ganzen Reihe von Meisterwerken fühlt es sich immer so an, als ob Pollards größte Stunde noch vor ihm liegt.

Songbook: Ein Leitfaden zu jedem Album von Guided By Voices' aktuelle Besetzung – bisher

Fotos (LR): Sarah Zade-Pollard, Tony Nelson

Besonderheit

Die Kult-Rockband Guided by Voices erhält die meiste Anerkennung für ihre Erfolge in den 1990er- und frühen 2000er-Jahren. Aber wie die neuesten Alben ihrer aktuellen Besetzung zeigen, sind sie eine Band für den Moment.

Songbook wird von GRAMMY.com präsentiert und ist eine Redaktionsreihe und Drehscheibe für Musikentdeckungen, die in die Diskographie und Kunst eines legendären Künstlers als Ganzes eintaucht – von Liedern über Alben bis hin zu Musikfilmen und -videos und darüber hinaus.

Wenn ein Künstler sein Ding seit vier Jahrzehnten macht, wie lässt sich dann seine „klassische Ära“ bestimmen? Für Robert Pollard ist die Rechnung einfach.

Seine langjährige Rockband Guided by Voices erlebte ihren Indie-Durchbruch Anfang bis Mitte der 90er Jahre mit einer Handvoll unauslöschlicher, rauer und herzzerreißender Alben: Bee Thousand, Alien Lanes und Under the Büsche unter den Sternen. Nehmen Sie also diese Klassiker, fügen Sie ein paar Vorher- und Nachher-Klassiker hinzu und, bumm – Sie haben einen tollen Einstieg für GBV-Anfänger.

Aber es gibt ein paar erschwerende Faktoren. Erstens scheint Pollard an der Vorstellung einer „klassischen Ära“ völlig desinteressiert zu sein. Als er das Projekt 2010 mit den Mitgliedern dieser drei Alben neu entfachte, machte er spöttische Anspielungen auf die „sogenannte klassische Besetzung“ und befürchtete einen Abstieg in die Indie-Throwback-Festivalszene.

„Die Leute auf Festivals wollen kein neues Album hören – sie wollen die größten Hits hören“, sagte Pollard 2014 zu Magnet. „Und das interessiert mich nicht so sehr. Ich interessiere mich mehr für das, was als nächstes kommt.“ "

Obwohl sie sechs gemeinsame Reunion-Alben aufnahmen, hielt sich die „sogenannte klassische Besetzung“ nicht lange; Zum Zeitpunkt der Drucklegung spielt die zeitgenössische Version der Band keine Songs aus dieser Zeit. Wenn Pollard sich in neue Songs wie „Excited Ones“ stürzt, ist seine jungenhafte Begeisterung spürbar; Wenn es Zeit für einen 30 Jahre alten Song wie „Tractor Rape Chain“ ist, kann er aussehen, als stünde er beim DMV in der Schlange.

Ein Guided by Voices-Song aus dem Jahr 2022 klingt nicht wie einer aus dem Jahr 1992. Teilweise dank Pollards vertieftem Schreiben – aber auch dank der Musiker seiner Band – gibt es nur sehr wenige der früheren einminütigen, auf Tonband aufgenommenen Quasi-Wegwerfstücke der Band. die zwischen unreif und inspiriert wechseln.

Heute vervollständigt Pollard seine Lieder stets. Und meistens sind sie majestätisch. Ein typisches Beispiel: ihr starkes neues Album „Tremblers and Goggles by Rank“, das am 1. Juli erscheint.

„Alex Bell“ ist eine Meditation über Erinnerung und Verlust in mehreren Sätzen und enthält praktisch allein die Ideen eines Albums. „Cartoon Fashion (Bongo Lake)“ ist als ABCD-Suite auf der Albumhülle aufgeführt, wie auf den Prog-Alben der 70er Jahre, die Pollard in Schwung brachten. Und in den gesamten drei Minuten wechselt „Focus on the Flock“ Tempo, Groove und sogar Genre, alles im Dienste fesselnder Dynamik und aufsteigender Hooks.

Vielleicht hat es ein YouTube-Kommentator zum Video „Lizard on the Red Brick Wall“ am treffendsten ausgedrückt: „Gipfel bei GBV ist jetzt erreicht.“ Und das gilt wohl für ihre gesamte aktuelle Ära, bestehend aus den Gitarristen Doug Gillard und Bobby Bare, Jr., dem Bassisten Mark Shue und dem Schlagzeuger Kevin March.

Während die Welt GBV ohne Bee Thousand und seinesgleichen überhaupt nicht kennen würde – und Songs wie „Blimps Go 90“, „The Official Ironman Rally Song“ und „The Best of Jill Hives“ so etwas wie einen Höhepunkt bleiben – ist es vielleicht an der Zeit um diese aktuelle kreative Rolle auf Augenhöhe zu stellen. Denn Songs wie „Amusement Park is Over“, „My Future in Barcelona“ und „Black and White Eyes in a Prism“ sind mindestens genauso gut.

In einer einzigartigen Ausgabe von Songbook, die sich auf nur eine Ära von Pollards umfangreicher Diskographie konzentriert, finden Sie hier einen Leitfaden zu einer wiederhergestellten erstaunlichen kreativen Rolle von Guided by Voices in den 2010er und 2020er Jahren.

Obwohl „Please Be Honest“ technisch gesehen nicht das Produkt der aktuellen Besetzung von Guided by Voices ist – Pollard sang jede Stimme und spielte jedes Instrument –, bleibt „Please Be Honest“ eine entscheidende Einführung in diese moderne Phase der Band.

Please Be Honest wurde gleichzeitig mit dem Relaunch von Guided by Voices angekündigt und fühlte sich damals wie eine Neuausrichtung, eine Reinigung des Gaumens, ein erneutes Bekenntnis zu Authentizität und Aufrichtigkeit an. (Verdammt, es steht im Titel.)

Während darauf jede Menge mitreißende Musik folgte, bleibt „Please Be Honest“ süchtig machend und fesselnd – nicht nur wegen der oben genannten Qualität, sondern auch wegen der Stärke des Songwritings. Außerdem sorgt die unheimliche und lehmige Atmosphäre, gepaart mit insektenähnlichen Themen (siehe „The Grasshopper Eaters“ und „The Caterpillar Workforce“) dafür, dass es einem im Gedächtnis bleibt.

Der Opener „My Zodiac Companion“ geht in einen von Pollards ergreifendsten Refrains über; „Kid on a Ladder“ vereint Pop-Jubel im Buddy-Holly-Stil mit einer hämmernden Drum-Machine; Der düster klingende, aber dennoch klarsichtige Titelsong verkörpert schroffe Entschlossenheit.

Alles endet mit „Eye Shop Heaven“, wo Pollard in die beeindruckenden, Eddie-Vedder-artigen Tiefen seines Registers vordringt, bevor er unerwartet in eine zuckersüße, Monkees-artige Coda übergeht.

„Du lügst einfach!“ Pollard singt. Aber auf „Please Be Honest“ ist er das nie.

Jeder GBV-Fan erinnert sich, wo er war, als er Pollards meisterhaftes Intro hörte – „Meine Damen und Herren! Ich präsentiere Ihnen: August by Cake!“ – gefolgt von einer jubelnden Hornfanfare.

Denn in diesem Moment waren Guided by Voices nicht nur nach Jahren der Abwesenheit zurück: Sie bescherten uns ein Doppelalbum-Fest, wie GBV Lodestar The Who's Tommy oder Quadrophenia.

Und allein der ehrliche, hymnische Opener „5º On the Inside“ bietet genug Schwung, um den Hörer für 31 weitere Stücke zu fesseln. Aber was für Melodien das sind.

Das kurze „When We All Hold Hands at the End of the World“ verwandelt eine einfache Melodie in einen Ohrwurm nach dem anderen. Das von Gillard geschriebene und gesungene „Goodbye Note“ pumpt und knallt mit brachialer Wucht.

„Packing the Dead Zone“ ist eine Kritik an der Trägheit des Social-Media-Zeitalters mit einem unvergesslichen Spoken-Word-Intro von GBV-Mitarbeiter (und NYPD-Veteran) Steven Stefanakos: „Wir schaffen eine Gesellschaft von Handy-verrückten Marihuana-Rauchern.“ Zombies!"

Und bis dahin sind Sie erst bei acht Songs. Nehmen Sie sich etwas Zeit, August by Cake durchzuspielen, und Sie werden sich wahrscheinlich Ihre eigenen Highlights einfallen lassen.

Tief im Inneren des Albums ist die abgeschwächte Akustikballade „Amusement Park is Over“ ein mitreißendes Stück Miniaturtheater, das an vergangene Kindheiten, innere Turbulenzen und Gewaltausbrüche erinnert.

Offensichtlich bedeutet „Amusement Park is Over“ für Pollard etwas: Es ist der einzige Song von August by Cake, der noch auf ihren aktuellen Setlists steht.

Nach dem anfänglichen Aufschwung im August durch Cake – einem Wirbel aus Hi-, Mid- und Lo-Fi – verfeinerten die erneuerten Guided by Voices ihre Ästhetik mit How Do You Spell Heaven.

Getreu seinem Cover – auf dem Pollard eine überirdische Lichtkugel erblickt – fühlt sich dieser Nachfolger rein, konzentriert und mit Souveränität umgesetzt an. Geheimnisvolle Soundeffekte, absichtliche Aufnahmefehler und kopfkratzende Zwischenspiele müssen hier nicht gelten.

„King 007“ steigt Treppen hinauf, um dann in träge akustische Klänge zu verfallen; das kraftvolle „Diver Dan“ brennt sanft und gleichmäßig wie ein Kerzendocht; „Nothing Gets You Real“ ist sanft, kraftvoll und niedergeschlagen.

Und auch wenn das abschließende „Just To Show You“ von Abschnitt zu Abschnitt zunimmt, lässt sich Pollard nie in das Drama hineinziehen – er klingt steinig und unbeirrt.

GBV machte später Alben mit ausgeprägteren Höhen und Tiefen, aber über diese Art von Einstieg gibt es etwas zu sagen – einen, der die Kritiker der Band, die die überaus produktive Band vielleicht als unbearbeitet oder unseriös ansehen, zum Schwärmen bringt.

Während „August“ von Cake durch unbeständige psychologische Gewässer watete und „How Do You Spell Heaven“ sich philosophisch und stoisch anfühlte, ist „Space Gun“ nahezu treffsicher auffällig, farbenfroh und laut.

"Hier kommt es!" Pollard kündigt im ersten Titeltrack immer wieder Ankündigungen an und steigert das interstellare Drama auf fast komische Weise, indem er ein krachendes Riff nach dem anderen kracht.

Dies führt zu der albernen, fast AC/DC-artigen Prahlerei von „Colonel Paper“, inspiriert von einem realen Bericht über eine betrunkene Nacht, in der Hühnchen gegessen wird – und über Pollards Kumpel aus der Heimatstadt, der nach einem Kater-Snack im mit Zigaretten gefüllten Müll wühlt.

Space Gun hält die Energie für 13 weitere Songs aufrecht, aber es ist kaum eine einzige Note. „Blink Blank“ ist hypnotisch, psychedelisch und mantraartig; „I Love Kangaroos“ ist schwungvoll und unwiderstehlich; „Grey Spat Matters“ brennt anderthalb Minuten lang mit einer Gesangsmelodie, für die man sterben kann.

Gegen Ende bekommen wir „That's Good“ – eine todernste Ballade, die aus den Archiven geholt und mit einem Streicharrangement von Gillard neu aufgenommen wurde (ein Talent, das in den folgenden Jahren seine volle Blüte entfalten sollte).

Alles in allem ist „Space Gun“ eine gute Wahl, wenn Sie von GBV absolute Unmittelbarkeit erwarten – ein schneller Hit, ein Zuckerrausch, ein 38-minütiger Wirbel durch den Kosmos.

Lust auf die elegantere Seite geschlechtsspezifischer Gewalt, die sich über vier Seiten erstreckt? Da kommt Zeppelin Over China auf den Markt, ein seltsam wenig diskutiertes, aber dennoch bedeutendes Werk aus dieser Epoche der Band.

Wie immer ist das Tempo eisern: „Good Morning Sir“ weckt Sie sofort in einem Ansturm der Vorfreude, dann hält „Step of the Wave“ zurück, hält zurück, hält zurück, bis ein berauschendes Crescendo erreicht wird.

Wie bei jedem klassischen Doppelalbum fliegen die Melodien wie im Flug vorbei, und an jeder Ecke lauern weitere Juwelen. Einige sind köstlich klumpig und undurchdringlich, wie „Blurring the Contacts“ und „Holy Rhythm“; andere strahlen sofort, wie „Your Lights are Out“ und „You Own the Night“.

Während das Ganze wunderbar zusammenhängt, liegt es im Ermessen des Fans, ob einzelne Zeppelin Over China-Tracks in die Zeitkapsel gehören. Allerdings enthält das Album zwei Kronjuwelen, die den Höhepunkt von Pollards Kräften darstellen.

Eine davon ist „The Rally Boys“, eine Aktualisierung der atemberaubenden Kameradschaft vergangener Klassiker wie „The Official Ironman Rally Song“ und „Don't Stop Now“. Der aufsteigende Refrain, eine Absichtserklärung auf Planet GBV, soll Ihrem Konzertnachbarn bierig ins Ohr gehämmert werden. Es fühlt sich einfach gut an.

Das andere ist „Meine Zukunft in Barcelona“, praktisch eine Doktorarbeit über die grenzenlose Kraft der menschlichen Vorstellungskraft.

Aus einer halb gehörten Ankündigung eines Fußballspiels – etwas über „die Zukunft von Barcelona“ – hat Pollard einen absolut magischen Rocksong geschaffen, der voller Möglichkeiten, Erwartungen, Sehnsüchte und allem anderen ist, was man darauf abbilden möchte. Wenn Sie sich nur ein Lied aus diesem Artikel anhören, machen Sie es zu diesem.

Wer sonst ist so empfänglich für den Lärm des Alltags, dass er ein Lied wie dieses aus der Luft holen könnte? John Lennon könnte es schaffen. Pollard kann es schaffen. Und die Botschaft von „Meine Zukunft in Barcelona“ ist scheinbar, dass wir es alle schaffen können. Aus allem, außer aus der Luft, können wir Musik machen.

Am informellsten Ende des späteren GBV-Spektrums stehen Warp und Woof, die zunächst in Form von zwei EPs veröffentlicht wurden: Wine Cork Stonehenge und 100 Dougs.

Warp and Woof wurde spontan bei Soundchecks, in Hotelzimmern und sogar auf der Sitzbank des Lieferwagens aufgenommen und hat eine unverfälschte Qualität, die Fans von Guided by Voices‘ ungeschliffenstem Werk aus den frühen 90ern (denken Sie an Vampire) gefallen könnte Titus).

Aus dem GarageBand-artigen Zischen und Lärm entstehen eine Handvoll Melodien, die im Gedächtnis bleiben, wie die fröhliche Barock-Pop-Pastiche „Photo Range Within“ und der hämmernde Popsong „Blue Jay House“.

Aber vom hüftschwingenden „My Angel“ über das melodisch schlängelnde „Cool Jewels and Aprons“ bis zum liebenswerten, dämlichen „My Dog Surprise“ können Sie die Höhepunkte in diesem Kuriositätenladen eines Albums erkennen.

Und wie üblich würde die Band beim Nachfolgealbum einen ganz anderen Weg einschlagen.

Denken Sie an die einheitliche Ästhetik von „How Do You Spell Heaven“ und „Zeppelin Over China“. Wenden Sie es dann auf eine abgespeckte 12-Song-Sequenz an und verstärken Sie sie mit einem Stadion-Rock-Feeling. Sie landen in unmittelbarer Nähe von Sweating the Plague.

Der weitaus traditionellere Nachfolger von Warp and Woof verzichtet auf fast alles, was man an „Guided by Voices“ irrelevant finden könnte – Genre-Experimente im linken Feld, Pollard, der mit lustigen Stimmen singt, zu viele Lieder. Keine Spur konnte vernünftig gekürzt werden; Jede Entscheidung landet.

Wie bei den beiden oben genannten spirituellen Cousins ​​der GBV-Alben kann diese Konsistenz manchmal dazu führen, dass es an klaren Highlights mangelt. Aber in diesem Fall ragt ein Lied heraus.

„Heavy Like the World“ ist Teil einer stolzen GBV-Reihe von Songs über Nerven, Mut und Mut – die wahre Quelle emotionaler Resonanz der Band, die über müde Anspielungen auf Miller Lite und High-Kicks hinausgeht und jedes Jahr ein Album nach dem anderen.

Wenn Sie das nächste Mal das Gefühl haben, so weit hinausgewatet zu sein, dass Ihre Füße den Boden nicht mehr berühren, befolgen Sie Pollards Rat im Outro: „Gehen Sie in Gefahr und bringen Sie mehr Tinte in Ihr Tattoo.“

Surrender Your Poppy Field, ein weiterer Schritt in die entgegengesetzte Richtung, ist ein Album voller rauem Gelände, schroffen Kanten und seltsamen Klangverbindungen.

Der Opener „Year of the Hard Hitter“ gibt sofort den Ton an – selbst nach mehrmaligem Hören ist es schwer vorherzusagen, in welche Richtung sich der Song entwickeln wird. „Volcano“ hat einen fleischigen Alternative-Rock-Refrain, der eher an Nirvana oder Smashing Pumpkins als an GBV erinnert.

Im weiteren Verlauf täuscht das scheinbar abgedroschene „Queen Parking Lot“ über eine Melodie von Süße auf Beatles-Niveau hinweg; „Woah Nelly“ ist ein betrunkenes Boot geisterhafter Pollards; Das benommene „Andre the Hawk“ glitzert fast wie Plastilin.

Der stille Triumph von Surrender Your Poppy Field ist jedoch „Cul-de-Sac Kids“, wo eine stattliche Einleitung im Stil von Jethro Tull unerwartet in wundersame, doppelte Überschwänglichkeit ausbricht.

Wenn der an das Buch der Offenbarung erinnernde Abschluss „Next Sea Level“ das Album abschließt, hat man am Ende ein einzigartiges – und wundersam zerstreutes – GBV-Erlebnis erlebt.

Wenn das psychedelische Artwork von Courtney Latta Sie denken lässt, dass Sie GBV in ihrer Incredible String Band-Phase bekommen, denken Sie noch einmal darüber nach. „Mirrored Aztec“ – von Natur aus ein „Sommeralbum“ – ist ein straffes und trockenes Hörerlebnis, das dennoch jede Menge Launen zulässt.

Zuerst die wunderbar ausgefallenen Momente: „Math Rock“ macht sich mit Hilfe eines Kinderchors über das titelgebende Subgenre lustig; „Haircut Sphinx“ ist ein kurzer, von Schlägen betrunkener Bar-Rocker; und „Lip Curlers“ ist selbst für diese Jungs ein echter Hingucker.

Abgesehen von den Ausreißern schlängeln sich einige seiner Stücke, wie zum Beispiel „Citizen's Blitz“, ein oder zwei Minuten lang hin und her, bevor sie verstummen.

Aber eine Handvoll von ihnen strahlt hell, vom glänzenden Oldie „Bunco Men“ über das strahlende, von 12 Saiten gespielte „To Keep an Area“ bis zur lautstarken Schlusssequenz, die mit „Party Rages On“ den Vorhang schließt.

Styles We Paid For, ein Höhepunkt der aktuellen GBV-Albenserie, geht direkt in die Mitte und legt den Fokus voll und ganz auf das Songwriting.

Mehr als fast jedes andere Album bewegt sich dieses direkt in der Goldlöckchen-Zone: gerade seltsam genug, gerade traditionell genug, gerade genug Bandrauschen, gerade genug Treue. Die Stimmung ist launisch, philosophisch, ein bisschen paranoid. Mit anderen Worten, es ist genau das Richtige für Guided By Voices.

„Styles We Paid For“ ist auch das GBV-Album, das, ob absichtlich oder nicht, seine Zeit am meisten widerspiegelt – insbesondere die frühe Pandemie. Die Band hatte zu diesem Zeitpunkt schon viele Alben aus der Ferne aufgenommen, aber die zackigen Kanten dieses Prozesses sind deutlich zu erkennen – herrlich.

Aber der wahre Grund, warum Styles so ein Retter der Pandemie war, war nicht seine kabinenfieberhafte, leicht bedrohliche Atmosphäre – sondern sein Gefühl der ungebrochenen Gruppensolidarität.

Wie „14 Cheerleader Coldfront“ 30 Jahre zuvor fühlt sich das akustische „In Calculus Strategem“ bedeutsam an, wie eine Nationalhymne. „Never Abandon Ship“ ist von eiserner Entschlossenheit durchdrungen. Und die selige Ballade „Stops“ fühlt sich in Träumereien versunken, voller Ehrfurcht vor der Kraft des Liedes.

Abgesehen davon bleibt die einfache Tatsache bestehen, dass die Schläger wirklich treffen.

Der klagende Anti-Hit „Slaughterhouse“ ist köstlich mürrisch und morbide; das kinetische „Mr. Child“ handelt scheinbar von einem Derwisch mit Peter-Pan-Syndrom; und „Electronic Windows to Nowhere“ ist eines der herrlich melodischsten Anti-Tech-Schlampenfeste der letzten Zeit.

Pollard hat Earth Man Blues wohl unterschätzt, als er es eine „Collage aus abgelehnten Songs“ nannte. Denn was einfach ihr erstes Album des Jahres 2021 hätte sein können, entpuppt sich als so etwas wie ihr Sgt. Pfeffer.

Das liegt nicht nur an der Vielfalt des Materials oder an den gelegentlichen psychedelischen Wendungen oder daran, dass es sogar als eine augenzwinkernde Darbietung präsentiert wird. Vielmehr entspringt die Würze des Films seiner tiefen Sehnsucht nach der Vergangenheit und ihrer Neugier auf sie – und wie sie einen Weg in die Zukunft ebnen kann.

Während des Demo-Prozesses entschied sich Pollard dafür, keine neuen Songs zu schreiben, sondern alte Kassetten nach Material zu durchsuchen. „Das waren alles Ablehnungen aus anderen Projekten“, sagte er zu Louder Than War. Einige dieser Funde haben mich einigermaßen erstaunt. Zum Beispiel: ‚Warum fand ich dieses Lied nicht gut genug?‘“

Mehr lesen:„The Connected Citizens: How Guided by Voices“ zeichnete während einer Pandemie den Earth Man Blues aus der Ferne auf

Tatsächlich waren sie nicht nur „gut genug“. Verwirklicht durch seine muskulöse aktuelle Band, fassen die Earth Man Blues-Melodien beinahe zusammen, was GBV großartig macht.

Das majestätische „The Disconnected Citizen“ verweist eindrucksvoll auf „verstrahlte Hallen“ und „psychogene Fugen“, während die Melodie gen Himmel zielt; „The Batman Sees the Ball“ vereint fernsehähnliches Gitarrenspiel mit einem geduldigen und schwungvollen Groove; und die Band wirft die Küchenspüle auf „Dirty Kid School“ und lässt eine einfache Komposition mit filmischem Effekt explodieren.

Und es lauern noch so viele andere Überraschungen, darunter die verzerrten 60er-Jahre-Ismen im Varieté-Stil von „Sunshine Girl Hello“ und das dämmrige „How Can a Plumb Be Perfected?“ Wenn es das ist, was Pollard einfach herumliegen hatte, wie viele andere Meisterwerke könnte er dann schaffen?

It's Not Them erschien etwa eine Woche vor Halloween. Sie könnten es nicht sein. Sie sind es! könnte den Schatten des Earth Man Blues darstellen und einige von Pollards bisher eindringlichsten und geheimnisvollsten Texten enthalten.

„Climb another wall over the Mountain“, singt er im Opener „Spanish Coin“ mit fantescher Energie. „Atmen Sie die Kraft der Erfahrung ein.“ Dann etwas, was wir auf einer Platte von Guided by Voices noch nie gehört haben: spanisch beeinflusste Hörner.

Seite eins besteht aus knallharten Rockern („High in the Rain“) und beatlosen, phantasmagorischen Experimenten („Maintenance Man of the Haunted House“).

Darüber hinaus ist das unbestreitbare Highlight „Dance of Gurus“ eng um eine sich wiederholende Gesangslinie („What’ll I do with you? You do with me?“) gewickelt, die einem tagelang im Gedächtnis haften bleibt.

Aber von da an ist es Zeit für Rock'n'Roll, und jeder mit Streichern und/oder Bläsern geschmückte Titel schlägt härter zu als der vorherige: Von „I Wanna Monkey“ über „Cherub and the Great Child Actor“ bis hin zu „Black and White Eyes in“. ein Prisma.

Und der Vorhang auf, „My (Limited) Engagement“, ist einer der großartigsten GBV-Abschlüsse aller Zeiten – gekrönt von einem spektakulären Gitarrensolo von Gillard.

Crystal Nuns Cathedral befindet sich vage in der gleichen Galaxie wie die gestrafften Songs „How Do You Spell Heaven“ und „Sweating the Plague“ und zeigt, wie die Band ihre Experimente zurückfahren und dennoch irgendwie an einem tieferen Ort landen konnte.

„Wir sind mit größerem Augenmerk an dieses Album herangegangen, um etwas größere Sounds zu erhalten – etwas homogener im gesamten Album“, sagte Gillard 2022 zu The Ash Grey Proclamation. „Und vielleicht bewusst weniger eigenwillige Mixe als üblich.“

Wenn das nach normaler geschlechtsspezifischer Gewalt klingt, geben Sie ihm eine Chance – Sie werden auf mehreren Ebenen überrascht sein. Beispielsweise hatte die Band noch nie einen Song wie „Climbing a Ramp“ aufgenommen, der auf einer sägenden Cellolinie aufbaute. Sie hatten auch nichts Vergleichbares wie „Forced to Sea“ gemacht, das sich in einem dämmernden Umgebungsklangfeld manifestiert.

Außerdem trafen Pollards Texte zu „Crystal Nuns Cathedral“ härter als sonst. „Nichts bewegt mich so“, gibt er in dem wunderschönen Midtempo-Rocker „Never Mind the List“ zu.

Und in „Excited Ones“, einem galoppierenden Rocker über diejenigen, die ihre Arme um das Leben legen: „Sie zerstören es jeden Tag!“ er verkündet. Pollard kann das sicherlich nachvollziehen.

Das ist keine Übertreibung: Alle verschiedenen GBVs, die in den oben genannten Alben vertreten sind – die albernen, die unerschrockenen, die launischen, die mutigen, die experimentellen, die nachdenklichen – spiegeln sich in Tremblers und Goggles By Rank wider.

Willst du mit galaktischen Kabooms beworfen werden, wie bei Space Gun? Lassen Sie sich vom geflanschten Wirbel von „Lizard on the Red Brick Wall“ begeistern. Möchten Sie eine bittersüße Note, die aus mehreren Blickwinkeln wirkt, wie beim Earth Man Blues? „Alex Bell“ und „Unproductive Funk“ werden Sie schicken. Innenerkundungen à la Styles We Paid For? „Bumerang“ und „Wer will auf die Jagd gehen?“

Guided by Voices werden oft durch ihre „Produktivität“ definiert, aber seien wir ehrlich: Die Fans bekommen sowohl Qualität als auch Quantität. Und Live-Auftritte rufen bei Oldies wie „Game of Pricks“ ein Dutzend Mal so große Reaktionen hervor wie bei „Stops“, aber es ist an der Zeit, auch das zu unterbinden.

Die Tatsache, dass selbst einige bekennende Fans bei den neuen Sachen schlafen, trübt die Realität nicht im Geringsten: Guided by Voices sind eine Band für den Moment. Und ihre immer noch hungrige Kult-Fangemeinde wird Ihnen nichts vorwerfen, wenn Sie zu spät in den Zug einsteigen.

Tatsächlich werden Fans zukunftsorientierter Rockmusik mit schlagendem Herzen, einem Auge für Erfindungen und einem Sinn für Staunen nichts so bewegen.

Every Moment Flame On: Ein Leitfaden zum erweiterten Universum von Robert Pollard und geführt von Stimmen

Robert Pollard

Foto: Terri Nelles

Nachricht

Um die langjährige, äußerst produktive und emotional wirkungsvolle Rockband Guided by Voices besser zu verstehen, schauen Sie sich die anderen Projekte von Robert Pollard genauer an

Der Punksänger und Schlagzeuger Ian Shelton war zu Beginn seiner Guided by Voices-Fangemeinde, als ein unbekannter Song ihn wie ein Schlag traf. „Ich habe mir das HBO-Set „Reverb“ angesehen“, erinnert sich der Leiter des Regional Justice Center und der Militarie Gun gegenüber GRAMMY.com. „Ich fragte mich: ‚Was ist das für ein toller Song, ‚Alone, Stinking and Unafraid‘? Ich gehe alle Platten durch und frage mich: ‚Auf welcher Platte ist das?‘“

Es stellte sich heraus, dass es sich um eines der Nebenprojekte von GBV-Anführer Robert Pollard handelte, Lexo and the Leapers, der 1999 eine EP herausbrachte. „Also, Moment: Dieser Typ, der eine erfolgreiche Band hat, macht auch andere Bands, die absichtlich weniger erfolgreich sind.“ und schwerer zu finden?“ dachte Shelton. „Das war irgendwie ein revolutionärer Moment – ​​die Idee, dass die Art und Weise, wie man Musik veröffentlicht, darin besteht, dass verschiedene Dinge unterschiedliche Absichten haben, soweit sie das Publikum erreichen.“

Clang Clang Ho von Cub Scout Bowling Pins

Mehr lesen:„A Joyful Burden“: Wie Ian Shelton vom Militarie Gun & Regional Justice Center aus Negativität Kunst macht

Für Shelton und den Rest von Pollards Schülern ist sein Lebenswerk wie ein ganzer Plattenladen. Wie der produktive, erstaunliche und übersehene Songwriter einst sang: „Dieser Ort hat alles.“ Möchten Sie Pop im Stil der 60er Jahre hören? Machen Sie sich auf den Weg zu den Cub Scout Bowling Pins. Stadionrock? Schauen Sie sich Ricked Wicky an. Nicht klassifizierbare Lärmexperimente? Gehen Sie mit Circus Devils. Country und Western? Cash Rivers und die Sünder.

Und wenn Sie einfach nur eine der eigenwilligsten und emotional einflussreichsten Bands der letzten Jahrzehnte hören möchten, entscheiden Sie sich für sein Hauptinstrument, Guided by Voices, die seit 1983 mit wechselnden Mitgliedern immer wieder aktiv sind. (Wenn Sie nicht vertraut sind, beginnen Sie mit ihren drei unbestreitbaren Klassikern – „Bee Thousand“ von 1994, „Alien Lanes“ von 1995 und „Under the Bushes Under the Stars“ von 1996 – und berichten Sie zurück.)

Allerdings erzählen selbst ihre 33 Alben in voller Länge, Tendenz steigend, nicht die ganze Geschichte. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität, als ihre Plattenfirma Pollard aufforderte, nicht mehr so ​​viel Musik unter dem Namen Guided by Voices zu veröffentlichen, war das der Urknall für sein erweitertes Universum. Und die neueste Station dieser außer Kontrolle geratenen Lokomotive ist Clang Clang Ho!, die erste LP seines neuesten Projekts, Cub Scout Bowling Pins, die am 2. Juli veröffentlicht wurde. (Überraschung! Es ist GBV unter einem anderen Namen.)

Während Pollards Kanon für Sammler und Komplettisten eine Katzenminze ist, ist es die Qualität der Musik – und nicht die Quantität –, die ihr Resonanz verleiht. Der melancholische Schwung von Ricked Wickys „Jargon of Clones“, Robert Pollards und Doug Gillards kreativem Aufruf „Do Something Real“ und Boston Spaceships‘ umwerfend melodischem „Come On Baby Grace“ haben nichts mit dem Grübeln über Discogs-Kleinigkeiten zu tun . Das ist rein aufstrebende Rockmusik.

„Jedes Album könnte sein eigenes Universum sein und jeder Song sein eigener Planet, den es zu erkunden gilt, aber stattdessen hat er mehrere Universen und alternative Universen innerhalb von Universen geschaffen“, meinte Andrew WK einmal. „Man konnte definitiv nur die Musik von Robert Pollard hören und für lange Zeit super gut mit Melodien versorgt sein.“

Warum führt Pollard diese Unterscheidung aus? Lassen Sie uns mithilfe der offiziellen Guided by Voices-Datenbank tiefer in sein Liederbuch eintauchen.

Wenn Sie sich wünschen, dass die halluzinogene Ballade „The Goldheart Mountaintop Queen Directory“ von Bee Thousand ein ganzes Projekt wäre, entscheiden Sie sich für dieses Pre-GBV-Projekt aus den frühen 1980er Jahren.

In Matthew Cutters Biografie „Closer You Are“ aus dem Jahr 2018 beschrieb Pollard es als „das Interessanteste, spontanste, kreativste und psychotischste, schwachsinnigste, was wir gemacht haben … Acid Ranch war furchtlos und lächerlich, weil wir wussten, dass niemand jemals etwas davon hören würde.“ "

Wie Cutter im Buch erklärt, bestand das Ensemble aus Akustikgitarre, Bass, Quetschspielzeug und Plastikeimern. Es ist zwar eine anstrengende Anhörung, aber wenn Sie auf Daniel Johnston oder Beat Happening stehen, schauen Sie sich The Great Houdini Wasn't So Great an.

Airport 5 war ein Projekt zwischen Pollard und dem ehemaligen GBV-Co-Songwriter Tobin Sprout, der wohl die zweitwichtigste Figur in der Geschichte der Band ist. Sprout nahm die Noten, die er herumliegen hatte, und schickte sie an Pollard, der Texte und Melodien hinzufügte.

Das Ergebnis waren „Tower in the Fountain of Sparks“ (2001) und „Life Starts Here“ (2002). Beide haben zwar einen rohen, hausgemachten Touch, sind aber weitaus pop-orientierter und zugänglicher als Acid Ranch.

„Oft tauchte Bob nur mit einer Kassette auf, warf sie auf meinen Vierspur-Song und verfeinerte sie“, erinnert sich Sprout gegenüber GRAMMY.com. „Er hätte nur eine Akustik oder so etwas und einen Gesang, und das haben wir einfach irgendwie zusammengestellt.“

Es muss gesagt werden, dass einige der berühmtesten Werke von GBV, wie „A Salty Salute“ und „Motor Away“, nur von Pollard und Sprout aufgenommen wurden – ebenso wie spätere Kuriositäten wie „Noble Insect“ aus der englischen Little League von 2013.

Bostoner Raumschiffe. Foto mit freundlicher Genehmigung von Guided by Voices.

Als fruchtbare Zusammenarbeit zwischen Pollard, dem Bassisten Chris Slusarenko und dem Schlagzeuger der Decemberists, John Moen, waren Boston Spaceships eine Satellitenband für GBV und nichts Geringeres.

„Bob hat immer klar zum Ausdruck gebracht, dass [wir] eine Band und kein Nebenprojekt sind“, sagt Slusarenko gegenüber GRAMMY.com. „Bei diesen Boston Spaceships-Platten gibt es keine Verschwendung. Das war das Ziel. Alles erstklassiges Material und eine Reihe klassischer Platten in unseren Köpfen.“

Die gesamte Diskografie von Boston Spaceships, von „Brown Submarine“ aus dem Jahr 2008 bis zu „Let it Beard“ aus dem Jahr 2011, ist aufgrund ihrer rasanten Melodik einen Besuch wert. Dennoch bezeichnet Slusarenko den Zero to 99 von 2009 als Kronjuwel.

„Ich hatte das Gefühl, dass es den größten Wahnsinn an sich hatte, der mit einem frühen GBV-Rekord mithalten konnte“, sagt er. „Kurze Lieder und schäbige Inspirationen.“

Im Rahmen einer Weiterentwicklung zu den Boston Spaceships engagierte Pollard Slusarenko – der vor der ersten Trennung im Jahr 2004 in der letzten Besetzung von GBV spielte – für die Carbon Whales.

„Ich habe eine Schwäche für die Carbon Whales 7“ [South]“, sagt Slusarenko. „Ich denke, wir haben den Geist des Post-Punk-England 1978 auf echte Weise eingefangen.“

Zurück zur Metapher von Pollard als menschlichem Plattenladen: Cash Rivers and the Sinners gehört in die Neuheitenabteilung. Was als witzige Country-Songs auf dem Album „Blue Balls Lincoln“ von 2018 begann, entwickelte sich schließlich zu „Do Not Adjust Your Set, I Am The Horizontal and Vertical“, dem 69 Titel umfassenden Sammelsurium aus Genre-Erkundungen und betrunkenem Geschwafel des Jahres.

Zirkusteufel. Foto: Rich Turiel

Auf die Frage, mit welchem ​​Satellitenband ein GBV-Hörer beginnen sollte, antwortet Pollard zuversichtlich. „Circus Devils wahrscheinlich zuerst“, sagt er zu GRAMMY.com. „Das ist eine komplette Studie für sich. 14 Alben.“

Hören Sie sich die Diskografie der Circus Devils von „Ringworm Interiors“ aus dem Jahr 2001 bis „Laughs Last“ aus dem Jahr 2017 an und Sie werden einen Übergang von avantgardistischen Wendungen zu mehr auf Liedern basierendem Material hören. „Ich hatte das Gefühl, die Freiheit zu haben, Klänge auf abenteuerliche Weise zu formen“, sagt ihr Co-Pilot, der Produzent und Multiinstrumentalist Todd Tobias, gegenüber GRAMMY.com.

Circus Devils sind in der Tat so ein Studienobjekt, dass Tobias einmal ein Buch über die düster-psychedelische Band mit dem Titel „See You Inside“ geschrieben hat. (Tobias‘ Bruder Tim, der Anfang der 2000er Jahre bei Guided by Voices Bass spielte, vervollständigte das Trio.)

„Ein Teil der Magie einer Circus Devils-Platte besteht darin, dass sie nicht festgehalten und zerlegt werden kann, ohne auf die eigenen subjektiven Reaktionen zurückzugreifen“, schrieb er im Vorwort. „Es werden Türen auftauchen, die zu kleinen Abenteuern führen, von denen jedes nur Ihnen gehört.“

Diese Zusammenarbeit mit dem Anführer der Moles, Richard Davies, brachte ein Album hervor, 2009 „Jar of Jam Ton of Bricks“. Obwohl er in den folgenden Jahren etwas ins Hintertreffen geriet, machen die Stärke von Pollards Gesangsdarbietungen und Davies‘ Gespür als Instrumentalist Jar of Jam zu einem versteckten Juwel.

Nachdem er Cash Rivers und die Sinners ins Bett gebracht hatte, suchte Pollard nach einem weiteren unbeschwerten Ventil für die aktuelle GBV-Aufstellung. „Ich wollte, dass etwas kreativ seinen Platz einnimmt“, sagt er. „Etwas, das kein Scherzland ist, aber dennoch albern, an dem alle gleichermaßen beteiligt sind.“ Pollard entschied, dass die Leinwand der 60er-Jahre-Pop sein würde, mit dem Potenzial, sich in verschiedene Epochen und Stile zu verweben.

Wie ein GBV-Song beginnt auch ein Lied von Cub Scout Bowling Pins als Boombox-Demo – allerdings eher a cappella als mit Akustikgitarre. Von da an: „Wir haben nur noch Bobs Stimme, die uns leitet, und wir müssen die gesamte Musik zu seiner Melodie erfinden“, sagt Gitarrist Bobby Bare, Jr. gegenüber GRAMMY.com. „Er singt die Musik in seinem Kopf mit und wir mussten herausfinden, was diese Akkorde in seiner Fantasie waren.“

Mit zarten Sunshine-Pop-Songs wie „© 123“ und ausgefallenen Abstechern wie „Everybody Love a Baboon“ bietet Clang Clang Ho! klingt wie GBV in einem Mixer – im besten Sinne. „Grundsätzlich macht es uns Spaß, kreativ zu sein“, sagt Gitarrist Doug Gillard gegenüber GRAMMY.com, „einige schöne, harte oder verrückte Sounds und Ideen in das Projekt einzubringen.“

ESP Ohio. Foto: Derek Asher

„ESP Ohio“ war das erste Aufnahmeprojekt des Bassisten Mark Shue mit Pollard, einem Musiker, den er schon seit einer gefühlten Ewigkeit verehrte. Als Shue die Lieder zum ersten Mal hörte, brach er in Tränen aus.

„Ich erinnere mich, dass ich die rohen Boombox-Demos bekam und einfach darüber brütete“, erzählt Shue GRAMMY.com. „Die kreative Reise von Bobs Original-Demos bis zum endgültigen Album ist ein wunderschöner Prozess, an dem man teilhaben kann – und ich bin dankbar, dass ich ihn auch Jahre später noch erleben darf.“

Pollard ist sachlicher, was die Entstehung von ESP Ohio angeht: „Ich wollte Travis [Harrison] einfach in ein Aufnahmeprojekt einbeziehen, das er nicht nur konstruierte oder produzierte“, sagt er. „Ich wollte, dass er ein wirklich funktionierendes Mitglied ist – der Schlagzeuger.“

Das einzige Album von ESP Ohio, Starting Point of the Royal Cyclopean, bereitet zwar hauptsächlich die Bühne für die aktuelle Inkarnation von GBV, ist aber ein berauschendes und befriedigendes Stück Melodien.

Von Stingy Queens über Magic Toe bis hin zu Huge On Pluto hat sich Pollard tausend Bandnamen ausgedacht und sie auf Songs angewendet. Freedom Cruise schafft es in diese Liste, weil es tatsächlich zu einigen veröffentlichten Titeln führte, darunter 1994 zu einer 7"-Splitversion mit Nightwalker.

Ein Match wie im Power-Pop-Himmel: Pollard trifft Mac McCaughan von Superchunk. Die Ergebnisse sind ebenso prächtig wie ähnliche Kooperationen mit Beatles-Zeitgenossen, von Richard Davies von den Moles bis zum äußerst vermissten Jangle-Pop-Maestro Tommy Keene.

Pollard, Sprout, Mitchell und ihr Freund Larry Keller haben diese klangvollen Melodien in einer Videothek nach Feierabend aufgenommen. Beachten Sie die Songtitel, die aus dem Kino stammen, wie „A Farewell to Arms“, „Clue“ und „A Star is Born“.

Diese kurze Zusammenarbeit zwischen Pollard, seinem Bruder Jim und dem damaligen GBV-Gitarristen Nate Farley führte zu einer einzigen EP, Speedtraps for the Bee Kingdom. Schnell, aber überraschend abwechslungsreich, voller klimpernder, trippiger Perlen wie „You Learn Something Old Every Day“, „I'm Dirty“ und „Where is Out There?“

Für GBV und ihre Mitarbeiter waren die Keene Brothers ein Blitz in einer Flasche. „Tommys großartige Power-Pop-Musikalität und Bobs geniale Melodien und sein lyrisches Gespür passen so wunderbar zusammen“, sagt Shue. Für ihren Manager David Newgarden ist ihr einziges Studioalbum, Blues and Boogie Shoes, ein „Juwel“.

Obwohl allgemein übersehen, hat sich der Einfluss des Albums über ihren Kreis hinaus ausgeweitet. „Wie kann man etwas falsch machen, wenn zwei Indie-Rock-Legenden gegeneinander antreten?“ Shelton fragt GRAMMY.com. „Es ist die ultimative Soft-Rock-Platte.“

Der Kim-Deal der Pixies und Breeders spielt in der geschlechtsspezifischen Geschichte eine große Rolle: In James Greers Buch „Guided by Voices: A Brief History“ aus dem Jahr 2005 nennt er sie „eine der wenigen Daytonianerinnen, die Bob als ebenbürtig betrachtete“. Ihre einzige Zusammenarbeit war ein Cover der verletzten Ballade „Love Hurts“ der Everly Brothers.

„Meine Frau hasst das“, sagte Pollard 2014 zu Magnet. „Sie denkt, wir waren verliebt. Das waren wir irgendwie.“

Ein weiteres One-and-Done zwischen den Pollard-Brüdern für eine obskure Compilation, Tractor Tunes, Vol. 2. Auf der anderen Seite war Mitchells eigene Band, The Terrifying Experience.

Die Band, die Shelton mit „Alone, Stinking and Unafraid“ umgehauen hat, war eine kurzlebige Zusammenarbeit zwischen Pollard und der Dayton-Band Tasties. Trotz ihrer Unklarheit ist jede ihrer sechs Melodien unverzichtbar.

„Es gibt so viele großartige Nebenprojekte, aber ich liebe Lexo and the Leapers wirklich“, sagt GBV-Schlagzeuger Kevin March gegenüber GRAMMY.com, „[besonders mit] Songs wie ‚Alone, Stinking and Unafraid‘, ‚Fair Touching‘ und …“ einer meiner Favoriten, ‚Circling Motorhead Mountain‘.“

Unabhängig davon, ob man es innerhalb oder außerhalb von GBV hört, hat sich Doug Gillards aerodynamischer Gitarrenstil seit langem als die effektivste instrumentale Ergänzung zu Pollard erwiesen. Nachdem sie sich 1999 zum ersten Mal für „Speak Kindly of Your Volunteer Fire Department“ zusammengetan hatten, machten sie unter diesem Namen zwei hervorragende Alben.

Auf die Frage, welches sein liebstes Nebenprojekt sei, antwortet Bare ohne Vorbehalt. „Rettungsschwimmer“, antwortet er per E-Mail in Großbuchstaben. „Je mehr Gillard, desto besser!“

Diese Zusammenarbeit mit Gary Waleik, dem Anführer der Bostoner Experimental-Popband Big Dipper, ist heller, glänzender und erinnert mehr an Cars als die meisten anderen Beiträge.

Pollard ist seit Jahrzehnten ein Wire-Fan und die Moping Swans sind eines seiner inspiriertesten Zeugnisse dieser Obsession. Legen Sie Lightninghead aus dem Jahr 2005 bei Coffeepot in der Post-Punk-Abteilung seines figurativen Plattenladens ab.

Der Geschichte zufolge war Pollard ein lautstarker Fan der obskuren experimentellen Rockband Phantom Tollbooth. Als die Band dies bemerkte, löschte sie den Gesang aus ihrem Power Toy-Album von 1988 und überließ es Pollard, der Musik freien Lauf zu lassen. Das Ergebnis war Beard of Lightning, dessen ausgefallene Prämisse allein diesen Beitrag zu etwas Besonderem macht.

Ein spannendes, ein wenig verstörendes Detail über Pollard: Er hat die Fähigkeit, ganze Alben in einem Rutsch zu schreiben. Er tat dies mit seinem Soloalbum Moses on a Snail aus dem Jahr 2010 und er tat es für Psycho and the Birds, ein Projekt mit Todd Tobias. Beide LPs sind hörenswert, insbesondere We've Moved aus dem Jahr 2008.

Im Jahr 2014 löste sich Pollard plötzlich von Guided by Voices auf und beendete damit die neueste Serie der – wie er es nannte – „sogenannten klassischen Besetzung“. Bevor sie mit (größtenteils) neuen Mitgliedern wieder loslegten, nahm er Ricked Wicky – ihn selbst, March, Tobias und den Gitarristen Nick Mitchell – mit auf eine Drei-Alben-Tour.

Pollard fand Mitchell bei einem Auftritt in der Sportbar Wings in Dayton, und seine Beiträge sind von der bierigen Sorte Rod Stewart. Bei ihrem Debüt „I Sell the Circus“ aus dem Jahr 2015 präsentierte sich Mitchell als neuer Sidekick, indem er neben Pollards Originalen auch den witzigen Rocker „Intellectual Types“ herausbrachte.

Mit den diesjährigen Songs „King Heavy Metal“ und „Swimer to a Liquid Armchair“ wurde die Band tiefer und berauschender, bevor GBV mit Mitchell an der Gitarre wieder loslegte.

Diese Konfiguration lief nicht gut und Gillard flog spontan ein, um Mitchell zu ersetzen. Aber auch wenn die Band wieder auf Hochtouren ist, steht Ricked Wickys Auswahl an LPs für sich allein.

Im Laufe der Entwicklung von Guided by Voices hat Pollard Soloalben veröffentlicht, die (normalerweise) seine anspruchsvollste Seite zeigen.

„Ich halte Guided by Voices für eine Art ‚zeitlos‘ und fühle mich frei, jede Art von Song aufzunehmen, egal ob er ‚erwachsen‘ ist oder nicht“, sagte er 2013 dem Rolling Stone. „Mit anderen Worten, Guided by Voices hat keine.“ Alter. Wir sind emotional nicht wirklich in unseren 50ern. Aber Robert Pollard ist 56 Jahre alt und ich versuche, dementsprechend Songs zu schreiben und aufzunehmen.“

Obwohl diese Liste nicht den Bogen von Pollards Soloalben umfassen kann, kann sie dennoch einen Rat geben: Beginnen Sie mit dem ruppigen Meisterwerk „From a Compound Eye“ aus dem Jahr 2006, springen Sie dann weiter zu dem stürmischen „Moses on a Snail“ aus dem Jahr 2010, dem pastoralen „Honey Locust Honky Tonk“ aus dem Jahr 2013 und den kraftvollen „Faulty Superheroes“ aus dem Jahr 2015 .

Anschließend können Sie sich seine Veröffentlichungen unter seinem eigenen Namen mit den Soft Rock Renegades und Ascended Masters ansehen.

Speak Kindly of Your Volunteer Fire Department, das kürzlich mit einem Remaster aus dem Jahr 2019 glänzte, ist ein GBV-Fanfavorit und enthält eine Handvoll von Pollards kraftvollsten Songs.

„Ich glaube, Do The Collapse war gerade herausgekommen und wir begannen damit zu touren“, erinnert sich Gillard. „Bob gab mir eine Kassette mit Demos für neun Songs, die er mit Akustikgitarre und Gesang geschrieben hatte, und sagte, er möchte, dass ich die Musik aufnehme und alles spiele.“

Es gibt kaum einen schlechten Song, aber zwei davon sind transzendent: „Pop Zeus“ klettert und klettert, bis seine Zickzack-Melodie haarsträubend wird, und „Do Something Real“ ist ein mit der Faust schlagender Fanfarenaufruf, um dem Unsinn ein Ende zu setzen ein authentisches, kreatives Leben führen.

Nennen wir es den Künstler allein in seinen Gemächern: „Teenage Guitar“ ist ein Ventil für einige von Pollards bizarrsten, amöbischsten Solowerken, wie „More Lies from the Gooseberry Bush“ aus dem Jahr 2014.

„Vieles geschieht spontan. Aufbauend auf einer Idee“, erklärt Pollard. „Das erste wurde bei mir zu Hause aufgenommen. Das zweite in einem großen Studio. Ich habe es „Teenage Guitar“ genannt, weil es so klingt.“

Oder Pollard, der mit einigen der üblichen Verdächtigen übertriebene Fuzz-Epen macht: seinem Bruder Jim, dem ehemaligen GBV-Bassisten Greg Demos und seinem Art Director Jim Patterson. Sie haben ein Album gemacht, 2013 „Clouds on the Polar Landscape“.

Mitten im Sumpf, am Anfang von „Ich will deine Schwester heiraten“, steht eine Nachricht auf dem Anrufbeantworter, im Hintergrund miaut eine Katze: „Ruf mich bitte zurück. Hier sitze ich, als würde ich alleine sitzen. Niemand...“ So, etwa elf Uhr, zehn Uhr, was auch immer. Trauriger Arsch. Ich sitze auf meinem eigenen Arsch. Trauriger Arsch.

„Das war meine Musik, bei der Bob alle Texte und den Gesang übernahm“, sagt Slusarenko. Was klingt doch austauschbar mit den Kohlenstoffwalen, oder? Oder zweitrangig gegenüber den Bostoner Raumschiffen?

Das ist es nicht: Hören Sie sich das Fuzz-Rock-Album „Bad Football“ von 2007 an und denken Sie darüber nach, dass dies ein Höhepunkt für tausend andere Bands sein könnte. Es spricht für den Grund, warum dieses erweiterte Liederbuch Bestand hat: Es macht Spaß, es anzuhören.

Jede Veröffentlichung von Pollard ist auf ihre Art eine Freude – oder zumindest eine Kuriosität. Es sind Universen innerhalb von Universen, wie Andrew WK es beschrieben hat. Oder, wie der Zauberer selbst einst in einem Lied befahl, indem er Kleinigkeiten magische Bedeutung verlieh: „Jeden Moment, Flamme an.“

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Von Stimmen geleitet

Foto: Tony Nelson

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Die langjährige Rockband Guided by Voices nahm ihr erstaunliches neues Album „Earth Man Blues“ auf, während sie Hunderte Kilometer voneinander entfernt unter Quarantäne gestellt wurde. Hier erfahren Sie, wie sie es geschafft haben – zusammen mit einer exklusiven Premiere des gesamten Albums über GRAMMY.com

Mitte der 90er Jahre produzierten Robert Pollard und eine lockere Gruppe von Saufkumpanen ihre berühmtesten Alben in Kellern und Garagen. Ein Vierteljahrhundert später gab es, Hunderte von Meilen voneinander entfernt, überhaupt keine Mauern mehr.

Letztes Jahr schleppten Schlagzeuger Kevin March und Ingenieur Travis Harrison Kabel und schleppten Schlagzeugausrüstung auf einen Parkplatz in Montclair, New Jersey. Sie nahmen Earth Man Blues auf, das neue Album der langjährigen Rockband Guided by Voices. March ist seit Jahren mit Unterbrechungen in der Band; Harrison ist seit fast einem Jahrzehnt ihr inoffizielles sechstes Mitglied.

Video mit freundlicher Genehmigung von Renée LoBue.

March und Harrison stellten sich ein einzigartiges plätscherndes Geräusch aus dem umgebenden Beton vor und dachten schon vor Ausbruch der COVID-19-Pandemie darüber nach, draußen aufzunehmen. Diese leere Vorstellung wurde zur einzig sicheren Option. Schweres Atmen in einem geschlossenen Raum käme im Hinblick auf die Virusausbreitung einem Training im Fitnessstudio gleich. Unter blauem Himmel und mit dem Rest der Band in verschiedenen US-Bundesstaaten spielte March vor dem Magic Door Recording Studio einen 4/4-Takt für den Song „Child's Play“.

Wie werden sich „Pandemie-Alben“ behaupten, nachdem unsere Masken endgültig abgenommen wurden? Es ist zu früh, das zu sagen. Aber wenn Sie den Earth Man Blues als eine schmuddelige und eingezoomte Angelegenheit einschätzen, könnte Ihnen diese Musik die Kinnlade herunterfallen lassen. „Earth Man Blues“, das am Freitag, dem 30. April, erscheint, ist kein bloßer Annäherungsversuch an das, was GBV in normalen Zeiten leisten könnte, sondern könnte ihr bisher abenteuerlichstes und zusammenhängendstes Album sein. Unten wird es exklusiv über GRAMMY.com uraufgeführt.

Pollard, March, die Gitarristen Doug Gillard und Bobby Bare Jr. sowie der Bassist Mark Shue trafen sich während der Entstehung des Albums nie persönlich; Tatsächlich haben sie seit Jahren nicht mehr als komplette Einheit im Studio aufgenommen. Wie kommt es also, dass sich Titel wie „The Disconnected Citizen“, „The Batman Sees the Ball“ und „Free Agents“ so vollständig anfühlen und wie eine Rockoper im Who-Stil zusammenhängen? Die Antwort liegt in ihrem Sinn für Kommunikation, Organisation, Formbarkeit und Ausdauer. Zu diesem Zweck können die Veteranen jungen Musikern, die durch den Lockdown entmutigt sind, das eine oder andere beibringen.

„Nutzen Sie die Technologie, die Ihnen zur Verfügung steht, und versuchen Sie, es so weit wie möglich zu einer kollektiven Anstrengung zu machen“, sagt Pollard gegenüber GRAMMY.com und spricht mit Jugendlichen. „Konzentrieren Sie sich auf das Aufnehmen von Platten und lassen Sie sich nicht so entmutigen, dass Sie nicht zusammenkommen oder live spielen können. Schreiben Sie Lieder und schaffen Sie Kunst. Nichts geht über künstlerische Zufriedenheit. Seien Sie geduldig und bleiben Sie kreativ.“ Ohne physisch zusammen zu sein, hier ist, wie Guided by Voices den Earth Man Blues hinbekommen haben.

Robert Pollard. Foto mit freundlicher Genehmigung von Guided by Voices.

Guided by Voices verfolgt eine eigenständige Geschäftsstrategie, die speziell für eine Pandemie geeignet ist. Allerdings ist Pollards Fernaufzeichnungsstrategie nicht nur auf die Pandemie beschränkt; Mittlerweile ist es alt genug, um es alleine zu trinken.

Zwischen 2001 und 2011 hat Pollard zahlreiche Fernaufnahmen für Gemeinschaftsprojekte mit Tommy Keene (als The Keene Brothers), seinem alten Songwriting-Kollegen Tobin Sprout (als Airport 5) und anderen gemacht. Aber egal, ob aus der Ferne persönlich aufgenommen, ein Guided by Voices-Album beginnt immer mit einem bescheidenen, alltäglichen Werkzeug.

„Alles beginnt mit der Boombox“, sagt Harrison gegenüber GRAMMY.com. „Bobs Verwendung dieses Tools ist legendär. Es hat einen großartigen, knackigen, komprimierten Klang im mittleren Bereich. Bob arbeitet schnell. Wenn er einen Zeitpunkt zum Schreiben wählt, verwendet er die Boombox, um die Songs einzufangen. Manchmal singt er Songs direkt durch.“ , und manchmal nimmt er die Lieder in Teilen auf, setzt sie später zusammen und arrangiert sie.“

„Die Demos sind bereits so sequenziert, wie ich denke, dass das endgültige Album aussehen sollte“, fügt Pollard hinzu. „Manchmal ändert sich das, nachdem ich die Instrumentals gehört oder den Gesang hinzugefügt habe. Manchmal bleibt es in genau der gleichen Reihenfolge wie in den Originaldemos.“

Nachdem Pollard die Demos eines Albums fertiggestellt hat, schickt er sie an Gillard, Bare, Shue und March. „Ich liebe es, die Demos zu bekommen. Es ist wie Weihnachten“, staunt Shue gegenüber GRAMMY.com. „Es macht mir wirklich Spaß, in eine bestimmte Reihe von Songs einzutauchen und sie auszupacken. Durch diesen Hörprozess beginnt man zu verstehen, was ein bestimmter Song erfordern könnte und wohin die Dinge führen könnten.“

Obwohl es sich um eine statische Akustikgitarre und einen gemurmelten Gesang handelt, sind „in diesen Demos viele Informationen eingebettet“, sagt Harrison. „Melodien, Texte, Akkorde mit spezifischen Stimmen, rhythmische Muster und Grooves, Instrumentallinien und strukturelle Entscheidungen sind alle vorhanden.“ . Das gesamte Album ist vorgezeichnet. Die Form des Albums ist bereits in diesem frühen Stadium sehr klar.

Dies ist teilweise auf Pollards schriftliche Anmerkungen zurückzuführen. „Bob gibt uns für jedes Album Song-für-Song schriftliche Produktionsnotizen“, sagt Gillard. „Bei manchen Songs sind sie spärlich, was nur auf ein allgemeines Gefühl hinweist, und andere sind spezifisch, wie zum Beispiel ‚Synth hier‘, ‚kein Schlagzeug in diesem Abschnitt‘ usw.“

„Ich bin der Typ mit Akustikgitarre und Boombox“, sagt Pollard. „Ich überlasse das Aufnehmen größtenteils den Jungs mit dem nötigen Können.“

Mark Shue. Foto mit freundlicher Genehmigung von Guided by Voices.

Wenn COVID-19 vor 20 Jahren zuschlägt, verfügt Guided by Voices möglicherweise nur über Festnetz- und DFÜ-Internet. Ein Lichtblick an der aktuellen Pandemie ist jedoch, dass es nahezu endlose digitale Tools für die Organisation und schnelle Kommunikation gibt.

Guided by Voices nutzen Dropbox und einen dedizierten Slack-Kanal. „Wir haben festgestellt, dass Slack für uns ein wirklich hilfreiches Tool ist, um bei verschiedenen Projekten den Überblick über Ideen und Fortschritte zu behalten“, sagt Shue. „Zu Hause habe ich nicht nur Notizbücher mit Diagrammen und Notizen, sondern auch ein großes Whiteboard in meinem Zimmer, auf dem ich Diagramme erstellen und den Überblick über alles behalten kann, woran wir gerade arbeiten.“

Unabhängig davon nutzen die Bandmitglieder Logic Pro Der Focusrite Scarlett, eine erschwingliche M-Box, ist ein Favorit. „Externe Festplatten sind notwendig, um alle aktuellen Sitzungen und Tracks zu organisieren und Platz für mehr Arbeit zu schaffen“, fügt Gillard hinzu.

Doug Gillard. Foto mit freundlicher Genehmigung von Guided by Voices.

Indem sie Pollards Notizen pflichtbewusst folgen und in ständiger Kommunikation bleiben, gelingt es den vier Musikern, seine Vision in den meisten Fällen erfolgreich umzusetzen.

„Die Demos sind ein ständiger Leitfaden“, sagt Harrison. „Ich habe die Demos einem Bearbeitungsprozess unterzogen, den ich ‚Geldwäsche‘ nenne.“ Dadurch kann die Band natürlich zu Bobs Gesang und dem rhythmischen Gefühl seiner Gitarre mitspielen, auch wenn er nicht physisch im Raum ist. Bob sendet normalerweise Notizen zu den gewaschenen Demos.“

„Nachdem ich die fertigen Instrumentals gehört habe, spreche ich mit Travis darüber, welche Änderungen oder Ergänzungen die Songs meiner Meinung nach benötigen“, sagt Pollard.

Da Guided by Voices über ihre digitalen Tools den Überblick über ihre Fortschritte behält, sind sie in der Lage, eine Vielzahl sich überschneidender Projekte abzuschließen. Aber um unverwechselbare und lebendige Kunst zu schaffen, muss man die Regeln sprengen und ihnen folgen.

„Während wir alle die Spannung lieben, zusammen im selben Raum zu sein, hat uns die Technologie auch die Möglichkeit gegeben, in einer Vielzahl von Szenarien reibungslos und konsistent zusammenzuarbeiten“, sagt Shue. Und die Tragbarkeit der M-Box bedeutet, dass die Band bei Soundchecks, in Badezimmern und sogar in ihrem Tour-Van Aufnahmen machen konnte.

Außerdem ist die Band nicht unbedingt an Pollards Anweisungen gebunden, wenn sie eine Idee hat, die einen Song verbessern könnte. „Ich gebe ihnen viel Raum für Input“, sagt Pollard. „Es gibt viel Vertrauen und Erfahrung. Ähnliche Vorlieben und Abneigungen, was Musik betrifft.“

Für Earth Man Blues nutzte die Band Pollards Notizen als Startrampe und zog alle Hebel in Bewegung. Gillard nutzte digitale Werkzeuge, um einhüllende Orchesterlinien zu erzeugen, wie sie in Stücken wie „The Disconnected Citizen“ zu hören sind.

„Er schickte ein paar Tracks, die mir die Kinnlade herunterklappen ließen“, sagt Harrison. „Ich denke mir: ‚Haben Sie die New York Philharmonic engagiert? Wie haben Sie das überhaupt gemacht?‘“ Für den ambitionierten psychedelischen Rückblick „Sunshine Girl Hello“ legte Shue auf Pet Sounds einen durchdringenden Basspart hin, der Carol Kayes würdig ist .

Bobby Bare, Jr. Foto mit freundlicher Genehmigung von Guided by Voices.

„Er setzt großes Vertrauen in uns und weiß, dass wir etwas herausbringen werden, das seiner Vision nahe kommt, wenn nicht sogar genau das Richtige“, fügt Gillard hinzu. „Wir freuen uns über spezifische Anweisungen. Ihm macht es Spaß, die fertige Musik zu bekommen, und das Ergebnis gefällt ihm meist schon beim ersten Hören.“ „Meiner Erfahrung nach kommt es normalerweise nicht zu einer Neuaufnahme“, sagt Shue.

Als die Musik fertig ist, reist Harrison zu Pollards Wohnsitz in Dayton, um den großen Kerl selbst aufzunehmen. „Bobs Gesangssitzungen sind keine langwierigen, mühsamen Unternehmungen, sondern eher schnelle, freudige Enthüllungen der Vocals für das Album“, sagt Harrison. Pollard singt das Album immer der Reihe nach; Harrison sorgt dafür, dass er sich dabei wohl fühlt.

„Bob ist immer sehr gut vorbereitet“, fügt Harrison hinzu. „Seine Texte und Melodien hauen mich immer wieder um. Die Sessions sind quasi heilige Ereignisse. Wir hören zum ersten Mal das neue Guided by Voices-Album.“

Kevin März. Foto von Ray Ketchem.

Es gibt wohl bessere Guided by Voices-Songs als „Don't Stop Now“ aus ihrem 1996er Album Under the Bushes Under the Stars. Doch angesichts der Tatsache, dass der Titel sowohl die Botschaft ihrer Widerstandsfähigkeit als auch ihrer unkontrollierbaren kreativen Leistung widerspiegelt, könnte es ihr ultimativer Song sein. (Sie nannten es nicht umsonst „The Ballad of Guided by Voices“.)

Und angesichts der Verbreitung erschwinglicher, hochwertiger Aufnahmegeräte im Jahr 2021 muss auch jeder Musiker mit ausreichend Fantasie nicht damit aufhören.

„Fast jeder, der einen Laptop oder ein Tablet besitzt, hat in sein Gerät eine ziemlich gute Aufnahmesoftware integriert, die kostenlos ist“, betont Harrison. „Man muss nicht einmal leere Kassetten kaufen. Die Technologie ist allgegenwärtig. Man braucht nur Ohren und Fähigkeiten. Das ist der knifflige Teil.“

„Mit der heute verfügbaren Technologie für Audioaufnahmen gibt es nichts, was eine Band davon abhält, Musik zu kreieren und zu veröffentlichen“, sagt March gegenüber GRAMMY.com. „Selbst wenn man nicht in der Lage ist, als ganze Band zusammenzukommen. In gewisser Weise kann es, wenn man es unvoreingenommen betrachtet, sogar noch besser sein, weil jedes Bandmitglied die Zeit hat, wirklich an seinen Rollen zu arbeiten und sie zu verfeinern.“

„Unsere Priorität war es immer, weiter voranzukommen, weiter zu schaffen und uns weiterzuentwickeln“, sagt Shue. „Wir treiben uns bei jedem Projekt immer weiter voran und suchen nach neuen Wegen, um den kreativen Prozess so nahtlos und rationalisiert wie möglich zu gestalten.“ „Hören Sie jetzt nicht auf“, fügt er hinzu und zitiert eine GBV-Visitenkarte.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Guided by Voices.

Zurück zu Pollard in seinem Keller in Dayton, wo er ungewöhnliche Klassiker wie „Bee Thousand“ von 1994 und „Alien Lanes“ von 1995 produzierte, Jahre bevor irgendjemand ein Aufnahmestudio in der Tasche hatte. Es besteht ein direkter Zusammenhang zwischen dem, was er damals und heute tat.

„Die Werkzeuge, die wir verwenden, sind nicht exotisch“, sagt Harrison. „Der Geist von Guided By Voices zielte schon immer darauf ab, alle verfügbaren Werkzeuge zu nutzen, um die überlebensgroßen Ideen, die Bobs Fantasie entspringen, zum Leben zu erwecken. Die Technologie hat seit den Anfängen der Band einen wirklich langen Weg zurückgelegt.“

„Bob hat sich für Lo-Fi entschieden, weil sie mit dem 4-Spur-System im Keller einen zufriedenstellenden Gesangssound finden konnten“, fährt er fort. „Nicht, weil das Tragen des ‚Lo-Fi‘-Labels irgendwelche Bona-fides mit sich brachte. Seine brillanten Songs machen ihn immer zum glaubwürdigsten Künstler im Raum. Heutzutage hat er immer noch die brillanten Songs. Er ist eine Quelle brillanter Songs. Das kann ich.“ Garantieren Sie.

„Selbst wenn ich ihre gesamte Karriere genau kenne“, sagt ihr Manager David Newgarden gegenüber GRAMMY.com, „hätte ich nicht ahnen können, dass diese Alben separat an fünf Orten und nicht als Band in einem Studio aufgenommen wurden. Vielleicht.“ Artikel wird andere inspirieren.“

Am Ende von „Child's Play“ weicht die Musik Verkehrsgeräuschen und offenbart kurz die unkonventionelle Aufnahmesitzung im Freien. Zusammen oder getrennt; in einem Keller, Badezimmer oder Parkplatz; Guided by Voices wird weiter voranschreiten.

Und mit den Mitteln, die praktisch jedem auf dem Planeten zur Verfügung stehen, gibt es kaum noch Ausreden, nichts zu erschaffen. Keine Grenzen, denen man sich verpflichtet fühlen muss. Keine Wände.

Ferngesteuert (gesteuert): Der Leitfaden der Recording Academy zur Fernaufnahme von Musik mit einem Produzenten und Ingenieur

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Von Sarah Mudler Chicago

Vom 15. bis 17. Juli war der Union Park in Chicago beim Pitchfork Music Festival 2011 erneut voller Vertreter des Who-is-Who der Musikindustrie. Das Festival lockt jeden Tag mehr als 18.000 Brancheninsider und Musikfans an und ist dafür bekannt, ein vielseitiges Line-up von mehr als 40 Künstlern zusammenzubringen, von denen viele kurz vor dem Durchbruch in den Mainstream stehen.

Zu den Headlinern in diesem Jahr gehörten die psychedelischen Klänge von Animal Collective am Freitag, die in Seattle ansässigen sanften Rocker Fleet Foxes am Samstag und die Festival-Favoriten TV On The Radio am Sonntag. Da viele der bekannteren Bands das ganze Wochenende über früher am Tag spielten, war es keine Überraschung, dass die Drei-Tages-Pässe an einem einzigen Tag ausverkauft waren.

Zusätzlich zu den Headlinern waren auf der Green-Bühne des Festivals die kürzlich wiedervereinigten Rocker Guided By Voices und The Dismemberment Plan sowie die Ambient-Punk-Rocker Deerhunter zu Gast, während auf der Schwesterbühne (der Red-Bühne) so starke Künstler wie der australische Heimatliebling Neko Case zu Gast waren Synth-Pop-Kollektiv Cut Copy und, eines der am meisten erwarteten Sets des Wochenendes, der unbezähmbare Frontmann Tyler, The Creator und sein Hip-Hop-Outfit Odd Future Wolf Gang Kill Them All. Aber als die Festivalbesucher zur etwas versteckten Blue-Bühne gingen, hatten sie das Glück, einige wirklich aufregende Acts zu sehen. Der elektronische Newcomer James Blake spielte am Freitag auf der schön schattigen Bühne vor einem dicht gedrängten und tanzenden Publikum, während die Konzertbesucher am folgenden Tag von der überlebensgroßen Persönlichkeit und Bühnenkleidung von Zola Jesus umworben wurden.

Als Abrundung des Festivalgeländes hatten die Teilnehmer die Gelegenheit, Schutz vor der Sonne zu suchen, während sie auf der jährlichen CHIRP Record Fair handgefertigtes Kunsthandwerk und schwer zu findendes Vinyl begutachteten und sich die einzigartigen Konzertplakate von ansahen lokale und nationale Künstler bei der Flatstock-Plakatausstellung.

Trotz der fast unerträglichen Hitze, die das ganze Wochenende über in der Windy City herrschte, war die diesjährige Ausgabe des Pitchfork Music Festivals ein voller Erfolg für Künstler und Konzertbesucher. Und dieser Blogger würde Ihnen empfehlen, Ihre Tickets Anfang nächsten Jahres zu kaufen, da sie sicher noch schneller ausverkauft sein werden!

Pitchfork Music Festival Beispiel-Playlist „Summertime Clothes“ – Animal Collective(iTunes>)„Der Wilhelm-Schrei“ – James Blake(iTunes>)„Brauche dich jetzt“ – Ausgeschnittene Kopie(iTunes>)„Def Surrounds Us“ – DJ Shadow(iTunes>)„Hopelessness Blues“ – Fleet Foxes(iTunes>)„Bizness“ – Tune-Yards(iTunes>)„Wolf Like Me“ – Fernsehen im Radio(iTunes>)„Sea Talk“ – Zola Jesus(iTunes>)